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1 양혜규, 국립현대미술관에서 주최하는 <상영프로그램&아티스트 토크> 참여


참여작가: 양혜규
프로그램제목: 이야기의 재건5: 폴리포니, 가상의 나 
상영회 일정: 2017년 6월 14일 – 2017년 7월 16일
양혜규 작품 상영 일정: 2017년 6월 16일 금요일 오후 3시 
                            2017년 6월 28일 수요일 오후 7시
                            2017년 7월 15일 토요일 오후 2시30분
아티스트 토크 일정: 7월 15일 토요일 오후 4시 
전시기관: 국립현대미술관 서울관 (MMCA) 필름앤비디오
웹사이트: http://www.mmca.go.kr/exhibitions/exhibitions

국제갤러리의 양혜규는 2017년 6월 14일부터 7월 16일까지 국립현대미술관 서울관 필름앤비디오에서 진행되는 <이야기의 재건 5: 폴리포니, 가상의 나> 프로그램에 참여한다. ‘이야기의 재건’ 시리즈는 2016년 6월부터 시작한 장기 기획상영 프로그램으로, <이야기의 재건 5: 폴리포니, 가상의 나>를 끝으로 마무리된다. 이번 상영회에는 일종의 여행 서사시 형식 안에서 목소리와 이미지의 관계를 실험하는 양혜규의 비디오 3부작(2004-2006) <펼쳐지는 장소>, <주저하는 용기>, <남용된 네거티브 공간>, 그리고 2007년에 제작한 <휴일이야기>가 상영된다. 이 중 비디오 3부작에서는 부유하는 여행자의 단상이 보이스오버로 전해지는 모호한 풍경 이미지들은 자아와 도시공간 사이의 간극을 담아낸다. 프로그램 기간 동안 총 20개의 작품이 29회차에 걸쳐 상영되며, 7월 15일 오후 4시에는 양혜규의 아티스트 토크가 진행될 예정이다.

Haegue Yang participates in Reconstruction of Story 5: Polyphony, the Imaginary of ‘I,’ a Film & Video program held at the National Museum of Modern and Contemporary Art (hereafter MMCA) from June 14 to July 16, 2017. Launched in June 2016 as a long-term film and video screening program, the Reconstruction of Story series concludes with Reconstruction of Story 5: Polyphony, the Imaginary of ‘I’. The program will include Unfolding Places (2004), Restrained Courage (2004), and Squandering Negative Spaces (2006), a video trilogy by Yang along with Holiday Story, a film produced in 2007. The trilogy experiments with the relationship between voices and images in a travel epic format, and displays ambiguous landscape images where the idle thoughts of a drifting traveler are transmitted through voiceovers that reflect the gap between the self and urban spaces. During the program, a total of 20 films will be screened 29 times, and an artist talk with Haegue Yang will be held on June 15 at 4PM. 





[Source from the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) website]
 
 
2 로니 , 댈러스 내셔 조각 센터에서 개인전 개최

Untitled (“Sometimes I think I resemble myself too much. I have always been someone else…”),
2010-2012, Solid cast glass with as-cast surfaces, 2 unique purples, 56.5 x 76.2 x 91.4 cm,
Courtesyof Kukje Gallery


참여작가: 로니 혼
전시제목: Roni Horn
전시기간: 2017년 5월 20일 – 8월 20일 
전시기관: Nasher Sculpture Center, Dallas, TX
웹사이트: http://www.nashersculpturecenter.org/art/exhibitions/exhibition?id=467
 
국제갤러리의 로니 혼은 2017년 5월 20일부터 8월 20일까지 내셔 조각 센터에서 개인전 을 개최한다. 2010년 이후 미국에서 처음 선보이는 뮤지엄 전시로, 원통형의 다양한 색상으로 이뤄진 대형 유리조각 8점이 메인 전시장에 설치될 예정이다. 작품 한 점에 제작 기간만 3-4 개월의 시간이 소요되는 노동 집약적 작업으로, 작품의 추상적 형태는 산업적 제조공정과 미니멀리즘적인 시각언어에서 비롯됐다. 빛을 투영하는 반투명 재질에 부피감이 느껴지는 형태의 유리조각에 빛이 주입되며 관객들의 주목을 이끌어 낸다. 공간을 압도하는 육중한 유리조각 작품은 전통 유리공예의 정의에 대한 전복이자 조각 영역으로의 확장을 의미한다.

Roni Horn is featured in a solo exhibition titled Roni Horn at the Nasher Sculpture Center from May 20 to August 20, 2017. This exhibition, which is Horn’s first American museum presentation since 2010, displays eight large-scale cylindrical cast glass sculptures of varying colors in the museum’s main gallery. These sculptures, which are produced through a laborious process, require three to four months each to complete and often borrow from the visual language of Minimalism through their abstract forms and industrial fabrication processes. Her sculptures will be infused with light, calling attention not only to their volumetric forms, but also the reflective and translucent qualities of glass. The works in Roni Horn defy traditional definitions of glass art, expanding the genre into the realm of sculpture laden with weight and presence. 


[Source from the Nasher Sculpture Center website]
 
 
3 김수자, 김세중 조각상 수상

Deductive Object, 2016, site specific installation consisting of painted welded steel, aluminum mirror panels. Sculpture: 2.45 x 1.50 m, Mirror: 10 x 10 m. Installation at Kimsooja – Archive of Mind at MMCA, Seoul. Photo by Jeon Byung Cheol. Courtesy of MMCA, Hyundai Motor Co., Kukje Gallery, Seoul, and Kimsooja Studio.

수상작가: 김수자
수상내용: 김세중 조각상
수상일자: 2017년 6월 24일 오후5시
시상장소: 서울 용산구 ‘예술의 기쁨’ 대강당
웹사이트: https://www.kimsechoong.org/
 
국제갤러리의 김수자는 제 31회 김세중 조각상 수상자로 선정되었다. 김세중 조각상은 1987년 한국 현대조각 제 1세대 작가인 김세중(1928~1986)의 업적을 기리기 위해 제정되었으며 역대 수상자로는 안규철, 엄태정, 박석원, 김영원 등이 있다. 올해 심사위원으로는 조각가 최만린, 이화여대 교수 윤난지, 서울대 미대 학장 문주, 미술 비평가 김복기, 홍익대 교수 전영백이 참여하였다. ‘보따리’ 시리즈로 세계적 주목을 받은 김수자는 장소 특정적(site-specific) 설치작업과 퍼포먼스를 통해 작가 자신과 사회와의 관계를 탐구해왔다. 이번 조각상의 시상식은 6월 24일 오후 5시 서울 용산구 ‘예술의 기쁨’ 대강당에서 열릴 예정이다.

Kimsooja has been named the 31st Kim Se-Choong Sculpture Award laureate. Established in 1987, the Kim Se-Choong Sculpture Award is enacted to honor the accomplishments of Kim Se-Choong (1928 – 1986), one of the first generation of contemporary Korean sculptors. Notable past awardees include Ahn Kyuchul, Um Tai Jung, Park Suk-Won, and Kim Youngwon. This year’s judges are sculptor Choi Man Lin, Nanjie Yun (professor of Fine Arts at Ehwa Womans University), Moon Joo (president of the College of Fine Arts at Seoul National University), art critic Kim Boggi and Young-baek Chun (professor of Fine Arts at Hongik University). Kimsooja, who received world-wide attention for her Bottari series, also worked with site-specific installations and performances that enabled her to explore the relationship between herself and the rest of society. The award ceremony will take place at the ‘Joy of Arts’ Auditorium in Yongsan-gu, Seoul on June 24, 2017 at 5 PM.

 
 
4 양혜규, 오스트리아 그라츠 쿤스트하우스에서 개인전 개최

VIP’s Union (detail), 2017, Courtesy of Kukje Gallery, Photo by Universalmuseum Joanneum/ N. Lackner

전시작가: 양혜규
전시제목: <VIP´s Union – Graz I>, <VIP´s Union – Graz II>
전시기간: 2017년 6월 23일 – 2018년 1월 28일
             2018년 2월 16일 – 2018년 4월 2일
전시기관: 그라츠 쿤스트하우스, 오스트리아
웹사이트: www.museum-joanneum.at/en/kunsthaus-graz
 
국제갤러리의 양혜규는 오스트리아 그라츠 쿤스트하우스에서 개인전 <VIP 학생회>를 개최한다. <VIP 학생회>는 빌려온 가구로 이루어진 개념적 작업으로, 이번 전시에서는 1, 2 부로 나뉘어 각각 약 7개월과 2개월에 걸쳐 선보여진다. <VIP 학생회>를 구성하는 가구들은 1부 기간(2017년 6월 23일부터 2018년 1월 28일)동안 전시실이 아닌 미술관의 공공 공간 곳곳에 파고들어 휴식과 사색의 공간을 마련하고, 2부 기간(2018년 2월 15일부터 4월 2일)에는 Space 02 전시실에서 전형적인 미술 작업이 전시되는 형태로 배치된다. <VIP 학생회>는 이번 그라츠 전시에 앞서 베를린, 브리스톨, 앤트워프, 본, 서울 등지에서 각각의 도시가 지닌 추상적이고도 구체적인 문화적 풍경을 담은 일종의 초상으로 다수에 걸쳐 실현된 바 있다. 각각의 도시 혹은 지역의 문맥과 기준에 따라 VIP를 지칭하는 개념은 다양 하지만, 동시에 미술기관에 ‘매우 중요한 사람’ 그리고 그들과 맺고 있는 관계가 중심에 서는 공통점을 중심으로 비 시각적인 방식으로 미술기관의 잠재적인 공동체를 그려내 왔다.

Haegue Yang will be featured in a solo exhibition titled VIP’s Union at the Kunsthaus Graz in Austria. Composed of various borrowed furniture and hinging on conceptual art, the exhibition will proceed in two phases over an extended period of time. In the first, which takes place for over seven months from June 23, 2017, to January 28, 2018, furniture lent by “very important persons” from the city and region of Graz will be on show throughout the building instead of remaining confined in an exhibition space. The “VIP Room” is transformed into a space that is open to all visitors, providing a zone for quietude and meditation. In the second phase, from February 15 to April 2, 2018, an exhibition in Space02 will conclude the project. VIP’s Union is connected with earlier presentations of this series in Berlin, Bristol, Antwerp, Bonn and Seoul. It will serve as a collective portrait of a cultural landscape of each location, both abstract and yet also very concrete, displaying different notions and ideas about “very important persons” and mapping their connections with each of the cultural institutions as a potential community.


[Source from the Kunsthaus Graz official press release]
 
 
5 루이스 부르주아와 에바 헤세, 뉴욕 현대미술관 그룹전 참여

The Quartered One, 1964-65, bronze, 149 x 72 x 54.1 cm (cast 1969). Gift of Henriette Bonnotte in memory of Georges Bonnotte. Accessioned object.

전시작가: Louise Bourgeois, Eva Hesse
전시제목: Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction
전시기간: 2017년 4월 15일 ㅡ 2017년 8월 13일
전시기관: 뉴욕 현대미술관 (Museum of Modern Art)
웹사이트: https://www.moma.org/calendar/exhibitions/3663?locale=ko
 
국제갤러리의 루이스 부르주아와 에바 헤세는 뉴욕 현대미술관(Museum of Modern Art)에서 4월 15일부터 8월 13일까지 개최되는 그룹전 《Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction》에 참여한다. 이번 전시에서 선보이는 작품들은 뉴욕 현대미술관의 소장품들로, 50명이 넘는 작가들의 회화, 조각, 사진, 드로잉, 프린트, 섬유, 공예작품 100 여 점이 포함되어 있으며, 주로 제2차 세계대전이 종료한 1945년부터 미국에서 페미니즘 운동이 시작된 1968년까지 여성 작가들이 이뤄낸 업적을 보여준다. 제2차 세계대전 이후 많은 작가들은 국가 및 지역적 관점을 초월하는, 특히 여성 작가들의 경우 젠더와 관련된 문제를 넘어서 전 세계적으로 통용될 수 있는 미술 언어를 추구하며 당시 미술계에는 추상미술이 주류를 이루게 된다. 이번 전시에서는 이 같은 맥락에서 살펴볼 수 있는 루이스 부르주아의 프린트작업 (1945)와 청동조각 (1964-1965), 그리고 에바 헤세의 조각 (1966)을 선보인다. 

Works by Louise Bourgeois and Eva Hesse are featured in Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction, a group exhibition at the Museum of Modern Art in New York from April 15 to August 13, 2017. Drawn entirely from the Museum’s collection, the exhibition features nearly 100 paintings, sculptures, photographs, drawings, prints, textiles, and ceramics by more than 50 artists. This exhibition shines a spotlight on the stunning achievements of women artists between the end of World War II (1945) and the start of the Feminist movement (around 1968). Abstraction dominated artistic practice during these years, as many artists working in the aftermath of World War II sought an international language that might transcend national and regional narratives—and for women artists, additionally, those relating to gender. The installation will include Louise Bourgeois’ print Self-Portrait as Bird (1945) and the bronze sculpture The Quartered One (1964-1965), and Eva Hesse’s sculpture Untitled (1966).




[Source from the Museum of Modern Art website]
 
 
6 알렉산더 칼더, 뉴욕 휘트니미술관에서 개인전 개최

Aluminium Leaves, Red Post, 1941, Courtesy of Calder Foundation, New York

참여작가: 알렉산더 칼더
전시제목: Calder: Hypermobility
전시기간: 2017년 6월 9일 – 10월 23일 
전시기관: Whitney Museum of American Art, New York
웹사이트: http://whitney.org/Exhibitions/CalderHypermobility
 
알렉산더 칼더는 2017년 6월 9일부터 10월 23일까지 뉴욕 휘트니미술관에서 개인전 를 개최한다. 이번 전시는 칼더재단과의 협업으로 여태 대중들에게 드물게 소개되었던 칼더의 주요 작품들이 작동하는 모습과, Christian Marclay, Abigail DeVille, Nora Schultz 그리고 Jack Quartet과 같은 현대작가들의 커미션 작업을 통해 칼더의 혁신적인 작업들과의 대화를 유도한다. 전시작품들은 휘트니미술관 내 각 갤러리에서 주기적으로 작동되어 내재된 운동성을 드러내면서 퍼포먼스와의 연관성도 탐구하게 한다. 물체/신체의 유연한 움직임(choreography)에 대한 작가의 관심이 반영되어 있는 칼더의 조각들은 특유의 움직임을 통해 지각적인 반응을 유발하는 수행적 특성을 띄고 있으며, 이번 개인전은 칼더의 의도대로 작품들이 움직이는 장면을 관람할 수 있는 흔치 않은 기회를 제공할 예정이다.

Alexander Calder is featured in a solo exhibition titled Calder: Hypermobility at the Whitney Museum of American Art from June 9 to October 23, 2017. This exhibition brings together Calder’s key sculptures and provides a rare opportunity to experience the works as the artist intended—in motion. Regular activations will occur in the galleries, revealing the inherent kinetic nature of Calder’s work, as well as its relationship to performance. Influenced in part by the artist’s fascination and engagement with choreography, Calder’s sculptures contain an embedded performativity that is reflected in their idiosyncratic motions and the perceptual responses they provoke. In collaboration with the Calder Foundation, the exhibition will feature a series of performances and events, including a number of one-time demonstrations of rarely seen works, as well as new commissions, which will bring contemporary artists such as Christian Marclay, Abigail DeVille, Nora Schultz, and Jack Quartet into dialogue with Calder’s innovations.


[Source from the Whitney Museum of American Art website]
 
 
7 장미셸 오토니엘, 프랑스 세뜨와 몽펠리에에서 개인전 개최

Black Lotus (detail), 2016, Courtesy of Kukje Gallery

참여작가: 장미셸 오토니엘
전시제목: Géométries Amoureuses (사랑에 빠진 기하학)
전시기간: 2017년 6월 10일 – 9월 24일 
전시기관: Centre régional d’art contemporain Occitanie (CRAC), Sète 
            Carré Sainte-Anne, contemporary art space of the city of Montpellier
웹사이트: http://crac.languedocroussillon.fr/
            http://www.montpellier.fr/505-les-expos-du-carre-sainte-anne.htm
 
장미셸 오토니엘은 2017년 6월 10일부터 9월 24일까지 프랑스 남부의 세뜨(Sète)에 위치한 옥시타니 현대미술센터 (Centre régional d’art contemporain Occitanie) 와 몽펠리에의 까레 생트 안느 현대미술공간(Carré Sainte-Anne)에서 개인전 을 개최한다. 옥시타니 현대미술센터에서는 작가의 최근 작업을 비롯해 그 동안 대중에게 많이 소개되지 않았던 작업들이 함께 설치된다. 이중 2016년 국제갤러리 전에서 선보였던 캔버스 작업들 시리즈, 그리고 거대한 꽃 모양의 조각으로 공중에 설치되는 등이 전시될 예정이다. 까레 생트 안느 현대미술공간에서는 작가가 소장해 온 작가 개인의 작품들 약 50점을 소개한다. 1990년대 유리작업을 처음 시작했을 때부터 모아온 작업들로 까레 생트 안느 현대미술공간을 위해 특별히 선보일 예정이다. 전시장 중앙에는 1992년에 흑요석으로 만든 작업인 , 베니스 페기 구겐하임 미술관에서 선보인 붉은 무라노 유리 작품 , 까르띠에 재단 전시에 소개한 등 작가의 최근 15년간의 활동에서 가장 주요한 역할을 했던 작품들이 전시된다. 

Jean-Michel Othoniel is featured in a solo exhibition titled Géométries Amoureuses (Geometries in Love) simultaneously held at the Centre régional d’art contemporain Occitanie/Pyrénées-Méditerranée (Regional center for contemporary art, hereafter CRAC), in Sète, and the Carré Sainte-Anne, contemporary art space of the city of Montpellier from June 10 to September 24, 2017. The CRAC in Sète presents an exhibition composed of monumental, previously unseen works. Among these is the Black Lotus series, first shown at the artist’s solo exhibition of the same name at Kukje Gallery, and The Wide Pansy, a large knot of colored-glass beads. The Carré Sainte-Anne, on the other hand, presents some fifty works from the artist’s personal collection. Among the works exhibited are Le Contrepet, Collier Cicatrice from the Peggy Guggenheim in Venice, Bannières from his exhibition at the Fondation Cartier and the Géométrie Amoureuse from the Mesopotamian room of the Louvre Museum, major works that have contributed to the last fifteen years of Othoniel’s artistic career.  


[Source from Centre Régional d’art Contemporain Occitanie & Carré Sainte-Anne official press release]
 
 
8 김수자, 비올라, 카셀에서 개최되는 dOCUMENTA 14 참여

Kimsooja, Bottari, 2005, site-specific installation consisting used bedcovers and clothing, Courtesy of EMST, Photo by Ben Davis 

참여작가: 김수자, 빌 비올라
전시제목: Kassel dOCUMENTA
전시기간: 2017년 6월 10일 – 2017년 9월 17일
전시기관: Fridericianum, Kassel, Germany
웹사이트: http://www.documenta14.de/en/
 
국제갤러리의 김수자와 빌 비올라는 2017년 6월 10일부터 9월 17일까지 독일 카셀에서 개최되는 dOCUMENTA 14 중 가장 중요하고 역사적인 전시장소인 프리데리치아눔 미술관 전시에 참여한다. 동시에 아테네에서도 개최되는 본 행사의 일환으로 아테네 도큐멘타의 주요 전시장인 아테네 국립 현대 미술관 (EMST)은 컬렉션의 일부를 카셀에 대여하여 선보이며, 이 중 김수자의 <보따리>(2005)와 빌 비올라의 (2004)가 포함된다. 이라는 제목의 컬렉션 전시는 82명의 작가가 제작한 180점의 작품으로 구성되어 있으며, 국경이동, 디아스포라 및 문화교류와 같은 다양한 사회정치적 문제들을 탐구한다. 김수자는 새로운 전시장소의 변화를 포용하는 의미로 아테네에서 수거한 사용된 의류, 천으로 구성된 기존 <보따리> 작업에 카셀에서 수집한 중고 의류와 이불보를 추가하여 새롭게 선보인다. 함께 전시되는 빌 비올라의 (2004)는 EMST 커미션 작품이다. 

Kimsooja and Bill Viola participate in dOCUMENTA 14 at the historic main venue Fridericianum in Kassel, Germany, from June 10 through September 17, 2017. As part of the show, Athens National Museum of Contemporary Art (hereafter EMST), the main exhibition venue of dOCUMENTA 14 exhibition counterpart in Athens, lent part of its collection to the Fridericinum, including Kimsooja’s Bottari (2005) and Bill Viola’s The Raft (2004). The collection on view, titled ANTIDORON – The EMST Collection, consists of 180 artworks by 82 artists and deals with various social and political issues such as border crossing, diaspora and cultural exchange. To accommodate this change of venue, Kimsooja modified her existing Bottari installation with the addition of used clothing and bedcovers from Kassel together with the existing garments from Athens. Bill Viola’s The Raft, also on view as part of this collection, is a work commissioned by the EMST. 


[Source from the dOCUMENTA 14 website]
 
 
9 루이스 부르주아, 미국 Massachusetts Museum of Contemporary Art 작품 설치
Untitled (detail), 1991, marble, Courtesy of The Louise Bourgeois Trust, Photo by Steven G. Smith

참여작가: 루이스 부르주아
전시기간: 2017년 5월 28일 – 2027년 5월 28일
전시기관: Massachusetts Museum of Contemporary Art (Mass MoCA, USA)
웹사이트: http://massmoca.org/event/louise-bourgeois/

루이스 부르주아의 대형 대리석 조각들이 2027년 5월까지 미국 메사추세츠 현대미술관 (MoCA)에 설치된다. 메사추세츠 MoCA는 전시공간을 2,530평 더 확장하여 총 7,000평에 달하는 공간으로 세계에서 가장 큰 현대미술관 중 하나가 되었으며, 이 메사추체츠 MoCA 확장 프로젝트의 일환으로 Louis Bourgeois Trust와 협약을 맺어 루이스 부르주아의 15톤짜리 조각 (1991)를 포함한 4개의 작품들을 미술관에 설치하였다. 폭이 6피트, 높이가 8피트 규모인 두개의 암석으로 만들어진 는 소용돌이, 원형 대리석과 거친 표면이 결합되어 인상적인 크기로 관람객을 압도한다. 미술관은 이 작품들의 무게를 지탱하기 위해 새로운 콘크리트 구조물과 강철 필러를 추가하였고, 건물 측면에 구멍을 내어 설치하였다.

Louise Bourgeois’ monumental marble sculptures are now on view until May, 2027 at the Massachusetts Museum of Contemporary Art (hereafter Mass MoCA). As part of MASS MoCA’s expansion project the museum added a further 90,000 square feet to their exhibition space, taking the total to more than 250,000 feet and making the MoCA one of the largest contemporary art museums in the world. Together with this expansion, the museum partnered with The Louise Bourgeois Trust and installed four sculptures by the artist, including Untitled, a 15-ton sculpture created in 1991. A composite of two monolithic unities, each measuring over six feet wide and eight feet tall, Untitled combines tightly coiled spirals and polished globes with rough cut stone surfaces, confronting the viewers with its imposing mass and density. To accommodate her works, a new concrete structure and steel fillers were added, and a hole was cut into the side of the building to crane the sculptures into place.

[Source from the Massachusetts Museum of Contemporary Art website]


 
 
10 노충현, 서울대학교 미술관에서 개최되는 그룹전 참여

<연극이 끝난 후 (After a play ends)>, 194 X 260cm, oil on canvas, 2015

참여작가: 노충현
전시제목: 미술관 동물원
전시기간: 2017년 6월 7일 – 2017년 8월 13일 
전시기관: 서울대학교 미술관 전관
웹사이트: http://www.snumoa.org/Moa_new/programs/exhibitions_review.asp?sType=c
 
국제갤러리의 노충현은 2017년 6월 2일부터 8월 13일까지 서울대학교 미술관에서 개최하는 <미술관 동물원> 그룹전에 참여한다. 본 전시는 올해 서울대학교 미술관의 두 번째 기획 전시로, 서구 제국주의와 권력의 상징인 ‘동물원’과 ‘동물’을 둘러싼 여러 인문 사회학적, 윤리적 이슈들을 약 55점의 회화, 조각, 설치, 사진작업을 통해 탐구한다. 이번 전시에 참여하는 15명의 작가들과 팀은 시대의 패러다임에 따라 변화하는 동물에 대한 인식의 변화를 보여주고, 인간의 욕망과 진보의 역사를 담고 있는 동물원이 제기하는 문제들을 던진다. 소외되고 삭막한 장소를 주제로 시대의 담론을 생성해 온 노충현은 이러한 이슈들을 <연극이 끝난 후>(2015)에 담아내어, 마치 배우가 떠난 연극 무대처럼 인위적으로 만들어진 건축물인 동물원에서 동물이 사라진 풍경을 쓸쓸한 시선으로 바라본다. 

Choong-Hyun Roh participates in Museum Zoo, a group exhibition held at the Museum of Art at the Seoul National University from June 2 to August 13, 2017. As the museum’s second curated exhibition this year, the exhibition explores sociological issues that rose from the establishment of the zoo and the animals that apparently “belong” in it, which began as a symbol of Western imperialism and power, through 55 works of painting, sculpture, and photography. The 15 artists and collective that participate in Museum Zoo address the change in society’s perception of animals according to the social paradigms of the time and bring to surface the issues of human desire and progressive history that dwell in the enterprise of the zoo. Roh, known for constructing dialogue through the portrayal of alienated and desolate places, explores these issues in his work After a Play Ends (2015), depicting an empty zoo enclosure that echoes feelings of solitude. 
 

[Source from the Seoul National University Museum of Art website]
 
 
11 줄리안 오피, 영국 Weston Park와 Shrewsbury Museum and Art Gallery에서 개최되는 그룹전 참여

Julian Opie, City?, 2004

참여작가: 줄리안 오피
전시제목: Synthetic Landscapes
전시기간: 2017년 6월 4일 – 2017년 9월 3일 (Weston Park)
            2017년 6월 24일 – 2017년 9월 3일 (Shrewsbury Museum & Art Gallery)
전시기관: Weston Park, Shrewsbury Museum & Art Gallery, England
웹사이트: http://www.meadowarts.org/exhibitions/synthetic-landscapes
 
국제갤러리의 줄리안 오피는 미술기획단체 Meadow Arts의 기획 하에 웨스턴 파크(Weston Park)와 슈루즈버리 박물관과 미술관(Shrewsbury Museum & Art Gallery)에서 개최하는 그룹전 에 참여한다. 2017년 6월 4일부터 9월 3일까지 열리는 웨스턴 파크 전시에서 오피는 영국의 조경사 란슬로트 브라운(Lancelot Brown)이 소수의 상류층을 위해 설계한 유원지를 탐구하며, 축소된 고층 빌딩들을 모아 반-풍경화를 형상화한 (2004)를 선보인다. 2017년 6월 24일부터 9월 3일까지 개최될 슈루즈버리 박물관과 미술관 전시에서는 반대로 산업혁명과 그 이후에 인간에 의해 파괴된 자연풍경을 되돌아 보며 박물관과 미술관에서는 언덕에서 방목하는 양떼를 담아낸 애니메이션 (2017)를 통해 단순하고 간소화한 풍경화를 선보일 예정이다. 두 전시기관에서는 각자 현저히 다른 인공 풍경의 비전을 선보인다.

Julian Opie participates in Synthetic Landscapes, an exhibition curated by the arts organization Meadow Arts at two different locations—Weston Park and Shrewsbury Museum and Art Gallery, England—from June 4 to September 3 and June 24 to September 3, respectively. At Weston Park, Opie displays City? (2004), in which a scaled down and summarized version of a block of high-rise buildings stands as an anti-landscape. Alternatively, at Shrewsbury Museum and Art Gallery, Opie will exhibit the animation Sheep in Landscape (2017), a deceptively simple, much stylized landscape that depicts a flock of sheep grazing on the hills. The two venues will explore two radically different visions of manmade landscapes. Weston Park will explore the sculpted parkland of Lancelot Brown, an English landscape architect, created as a ‘pleasure ground’ for the enjoyment of a land-rich minority. At the opposing end of this view, in Shrewsbury the exhibition will explore the appropriation of landscape during the birth of the Industrial Revolution and afterwards. 


[Source from the Meadow Arts website]
 
 
12 비올라, 독일 Deichtorhallen Hamburg에서 개인전 개최

Tristan’s Ascension (The Sound of a Mountain Under a Waterfall) (Still/Detail), 2005

참여작가: 빌 비올라
전시제목: Bill Viola – Installations
전시기간: 2017년 6월 2일 – 2017년 9월 10일 
전시기관: Deichtorhallen Hamburg, Germany
웹사이트: http://www.deichtorhallen.de/index.php?id=514&L=1
 
국제갤러리의 빌 비올라는 2017년 6월 2일부터 9월 10일까지 독일 함부르크에 위치한 Deichtorhallen Hamburg의 현대미술관에서 개인전 를 개최한다. 빌 비올라의 작품은 인간의 삶에 있어서 주요한 주제인 탄생, 죽음, 사랑, 감정, 그리고 영성을 탐구하며, 특히 기독교, 불교, 그리고 이슬람교와 같은 종교적 전통에 대한 호기심을 주의 깊게 연구해왔다. 이러한 작가의 다종교적 포용력은 인간의 육체를 매체로 활용한 형태로 나타나며, 인상적이고 초월적인 아우라로 관객을 사로잡는 사운드 및 비디오 설치작업으로 선보여진다. 이번 개인전에 전시되는 10미터 높이의 비디오 설치작업들은 유럽의 가장 큰 전시기관 중 하나인 Deichtorhallen Hamburg의 전시공간을 21세기 성당으로 변모시킨다.

Bill Viola is featured in a solo exhibition titled Bill Viola – Installations at the Hall for Contemporary Art in the Deichtorhallen Hamburg from June 2 to September 10, 2017. Viola’s works explore the central themes of human life: birth, death, love, emotion, and spirituality. In particular, the artist has displayed an overarching interest in religious traditions throughout his career, including Christianity, Zen Buddhism, and Islam. This manifestation of tolerance, which uses the body as a medium for extraordinary experiences, is reflected in nearly all the artist’s sound and video installations, which are captivating for their memorable, transcendent aura. Viola’s works on display in the Deichtorhallen Hamburg, one of Europe’s largest exhibition halls, include monumental ten-meter video installations which transform the venue into a twenty-first century cathedral.


[Source from the Deichtorhallen Hamburg website]
 
 
13 폴 매카시, 스페인 Fundació Gaspar에서 개인전 개최

SC, Luncheon on the Grass (Dejeuner sur l'herbe), 2014

전시작가: 폴 매카시
전시제목: WS & CSSC, Drawings and Paintings
전시기간: 2017년 5월 26일 ㅡ 2017년 7월 16일
전시기관: Fundació Gaspar, Barcelona, Spain
웹사이트: http://www.fundaciogaspar.org/wscssc3/
 
국제갤러리의 폴 매카시는 2017년 5월 26일부터 7월 16일까지 스페인 바르셀로나에 위치한 가스파재단 (Fundació Gaspar)에서 개인전 을 개최 한다. 2015년에 설립된 가스파재단은 20세기 초반부터 파블로 피카스, 호안 미로, 알렉산더 칼더 등의 거장들을 바르셀로나에 꾸준히 선보인 가스파 가문이 세운 비영리 재단이다. 이번 전시에서는 작가가 지속적으로 진행하고 있는 두 시리즈 와 의 회화, 콜라주, 드로잉 작업들을 소개한다. 전시되는 두 시리즈는 미국 대중문화와 인간의 충동성과 욕망이 병치되어 작가 특유의 독창적인 풍자를 보여주며, 비인간적으로 보이는 인간의 욕망에서 물질적 실험과 심리적 발전 과정을 엿볼 수 있는 역동적인 회화 기법으로 캔버스에 나타난다. 콜라주 작업은 패션잡지에서 오려낸 이미지, 인터넷에서 찾은 이미지들뿐만이 아니라 작은 탁상 같은 오브제들로 이루어져 입체적인 구조를 보여준다. 매카시는 회화의 역사와 현대적인 모티프를 결합하여 인간의 선천적 욕망과 어린 시절 순수함이 성인 지식과 맞닿는 불편한 현상을 드러내고자 한다.

Paul McCarthy is featured in a solo exhibition titled WS & CSSC, Drawings and Paintings at the Fundació Gaspar, Spain, from May 26 to July 16, 2017. Fundació Gaspar is a nonprofit organization established in 2015 by the Gaspar family. The Gaspars have been introducing works of modern-day masters such as Pablo Picasso, Joan Miró, and Alexander Calders in their native city of Barcelona since the early 20th century. In this solo exhibition McCarthy presents his paintings, collages, and drawings exploring his two main ongoing projects within his multidisciplinary practice: White Snow and Stagecoach. In both series, archetypal American narratives are juxtaposed against human impulses and desires, examined with the ingenuity and subversion that characterize McCarthy. Inhumane human desires are represented on the canvas with a heavy gestural pictorial style, motivated by material experimentation and psychological processes. His collages incorporate pages torn from fashion magazines, images downloaded from the internet, and three-dimensional objects such as a coffee, creating a three-dimensional construction. Within these works, McCarthy masterfully mixes art history with contemporary motifs, exposing latent desire and the uncomfortable space where childhood innocence meets adult knowledge.


[Source from the Fundació Gaspar website]
 
 
14 우고 론디노네, 미국 신시내티 Contemporary Arts Center에서 개인전 개최

Vocabulary of Solitude, 2017

전시작가: 우고 론디노네
전시제목: let’s start this day again
전시기간: 2017년 5월 6일 ㅡ 2017년 8월 20일
전시기관: Contemporary Arts Center, Cincinnati
웹사이트: http://www.contemporaryartscenter.org/exhibitions/2017/05/ugo-rondinone
 
국제갤러리의 우고 론디노네는 2017년 8월 20일까지 미국 오하이오 신시내티에 위치한 Contemporary Arts Center에서 개인전 <let’s start this day again>을 개최 한다. 본 전시에서 작가는 컬러 스펙트럼 시리즈를 새롭게 재해석하여 선보이며, 미술관 공간과 어우러져 전시를 관람하는 관람객들에게 독특하고 종합적인 경험을 제공한다. 론디노네의 대표작들인 네온 무지개, 창유리 위에 그려진 컬러 젤 작업, 떠 다니는 만다라, 경계를 흐릿하게 처리한 타겟 페인팅, 색으로 칠해진 창문들, 그리고 실물 크기의 삐에로 조각들이 설치되어 다채로운 색감으로 하여금 다양한 감각기관을 자극하게 한다. 또한, 작가는 미술관들이 고수하는 하얀색 벽을 형광색으로 대체함으로서 기존의 미술관에 대한 관념에 도전한다.

Ugo Rondinone is featured in a solo exhibition titled let’s start this day again at the Cincinnati Contemporary Arts Center (hereafter CAC) from May 6 to August 20, 2017. This exhibition features a new iteration of the artist’s color spectrum series, congregating his art, the gallery’s architecture and every visitor as collaborators in an all-encompassing experience. The exhibition will include a neon rainbow, colored gels on the windows, floating mandalas, blurred target paintings, painted windows, gradient color walls and a surreal cast of life-size, clown sculptures, collectively serving as one extensive collage. let’s start this day again provides the viewer an opportunity to re-experience the CAC in a new charade of florescent colors as opposed to its original neutral concrete walls, challenging the way visitors see and understand the CAC.
 
[Source from the Contemporary Arts Center website]

 

 

 
 
15 박찬경, 장미셸 오토니엘, 서울시립미술관에서 개최되는 그룹전 <하이라이트> 참여

Jean-Michel Othoniel, L’Unicorne, 2003

참여작가: 박찬경, 장미셸 오토니엘
전시제목: <하이라이트>
전시기간: 2017년 5월 30일 ㅡ 2017년 8월 15일 
전시기관: 서울 시립미술관 (서소문본관)
웹사이트: https://highlights.fondationcartier.com/

국제갤러리의 박찬경과 장미셸 오토니엘은 2017년 5월 30일부터 8월 15일까지 서울 시립미술관 서소문 본관에서 개최하는 까르띠에 현대미술재단 소장품전 <하이라이트> 에 참여한다. 이번 전시는 까르띠에 현대미술재단의 첫 번째 아시아 전시로 우리가 귀 기울이고 관심을 놓지 말아야 하는 다양한 주제들을 시각 예술의 형태와 언어를 빌어, 보다 높고 찬란하게 빛나는 예술의 존재 가치를 되새겨 보자는 메시지를 담고 있다. 이번 전시에서 박찬경은 친형인 영화감독 박찬욱과 '파킹찬스'(PARKing CHANce) 라는 프로젝트 팀을 이뤄 공동으로 제작한 신작 <격세지감>을 선보인다. 2000년에 개봉한 영화 <공동경비구역 JSA>를 위해 제작하였던 세트장을 3D로 촬영하고 영화의 사운드를 더한 작품이다. 이번 소장품 전에는 극단의 아름다움을 뽐내는 유리구슬을 소재로 인간의 내면과 정신세계를 표현하는 장미셸 오토니엘의 작품 <유니콘> 도 전시될 예정이다. 

Park Chan-kyong and Jean-Michel Othoniel participate in Highlights, an exhibition presented by Fondation Cartier pour l'art contemporain (hereafter Fondation Cartier) at the Seoul Museum of Art (hereafter SeMA) from May 20 through August 15, 2017. The first exhibition organized by Foundation Cartier in Asia, this showcase of the prestigious collection encourages the audience to reflect on the invaluable worth of art. The various thematic highlights of the exhibition borrow from the formal and linguistic capabilities of visual art. The collection will include a work Decades Apart, a new film by PARKing CHANce, a project team formed by Park Chan-kyong and his brother Park Chan-wook. This particular work features the audio and three-dimensional rendering of the set of Joint Security Area, a movie that was released in 2000. The exhibition will also include Jean-Michel Othoniel’s L’Unicorne (2003), a work composed of glass beads that serve as a metaphor to human psychology, along with the installation Paysage amoureux (1997) and smaller object works La Bouche d’ombre; La Pisseuse; le ciei invisible; l’Embusque; l’Etoile du soir (1992).

[Source from the Seoul Museum of Art website]
 
 
   
 
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